proyecto stand

  PROYECTO

1. PROBLEMA

Encontrar un objeto que se adecúe a la población del Instituto Técnico Central para que éste exhiba los proyectos de un grado.

2. DEFINICIÓN DEL PROBLEMA

Este se basa en una serie de parámetros los cuales serían:

Tener en cuenta la ergonomía, como por ejemplo la antropometría, sabiendo que se basa en

el estudio de las medidas del cuerpo humano.

Que sea modular, para que al momento de trasladarlo sea fácil.

El material será polímero, pero para economía se podrá realizar en madera, pero dándole acabados del material propuesto.

3. ELEMENTOS DEL PROBLEMA

      El principal problema es la altura de los espectadores, ya que esto es una institución muy grande y como puede haber personas con mayores proporciones corporales que otras y viseversa.

     Se sabe que los comportamientos de las personas pueden afectar de algún modo porque hay personas que son inquietas y puedan querer tocar todo sin pensar que pueden dañar alguna cosa.

      El material es un factor fundamental, de modo que se puede gastar poco o sobrepasar el límite afectando nuestra economía.

4. RECOPILACIÓN DE INFORMACIÓN

     Al ver toda la información sobre cómo realizar el stand podemos ver varios factores uno de estos puede ser el tipo de material o también puede ser el diseño de mismo stand. Al poder ver los ejemplos de los stands modulares se puede ver muchos ejemplos de un árbol el cual se arma en forma de encaje de cruz y nos dispusimos a realizar ese tipo de sujeción en el stand, aunque el modelo sería un tanto diferente.

 5. ANÁLISIS DE DATOS

Para realizar nuestro stand decidimos usar algo que esté relacionado con sexto grado, como ellos tienen frutas en plano seriado, nosotros haremos un árbol en plano seriado.

Nuestro stand es muy simple, pero como es simple también se puede tener muchos errores y

se puede ver vació, así que nuestros materiales serán únicamente madera y/o soportes que

comúnmente se le conoce como escuadra.

6. CREATIVIDAD

Nosotros, quisimos darles acabados que fueran de nuestra autoría para que no fuera algo

exacto porque el árbol en plano seriado ya existe, entonces utilizaremos 3 animales además

de las repisas que nos ayudara para tener las frutas de una forma más innovadora,

interesante y llamativa.

7. MATERIALES Y TECNOLOGÍA

 Para hacer el modelo en digital utilizamos el programa SolidWorks ya que este programa

que nos es muy útil y eficaz para que al momento de tener en ensamble ver como se verá en

conjunto.

En cuanto a los materiales anteriormente se dijo que utilizaremos láminas de madera,

repisas, y un soporte para las repisas.

 8. EXPERIMENTACIÓN

En primer lugar, cuando se realizó el modelo en cartón paja fue un desastre completo, así que se empezó hacer con el material de madera, hicimos dos en madera, cada vez incluyéndole más cosas y claramente también quitándole.

 9. MODELOS

Nuestro primer modelo media 20 cm es decir que está a una escala de 1:4 y el segundo mide 30 cm su escala es de 3:5,33

10. VERIFICACIÓN

Nuestro profesor nos ha hecho correcciones clase tras clase, hasta llegar al punto de que esperamos que le guste el último modelo.

-Correcciones:

La estabilidad del tronco del árbol no era buena porque no se sostenía solo.

Los agujeros y que teníamos triángulos de plástico.

 Los animales, como ya se ha dicho es para darle un toque personal.

 12. SOLUCIÓN Y PROCESO

Ya con todas las correcciones del profesor en cuando al diseño del stand ya estábamos listos para poder ir al taller de modelaría para comenzar a cortar las piezas necesarias para poder armar el modelo.

 Comenzamos dibujando todas las piezas necesarias en el material que nos asignó nuestro profesor después nos dispusimos a cortarlas como se de muestra en la imagen 2 y después a lijarlas en la imagen 1 y 3 se pueden ver, para poder dejarle un mejor acabado aunque a mitad del proceso  se nos acabó el material el profesor Johan nos asignó un nuevo material que se tuvo que perfeccionar con una lijadora orbitan con en la imagen 4 y 5 para poder continuar, con el proyecto aunque no era el mismo con el que iniciamos se podía acoplar bien mas no perfectamente a las piezas anteriormente hechas.

FACTORES HUMANOS

HERGONOMIA

La Ergonomía es una ciencia que estudia las características, necesidades, capacidades y habilidades de los seres humanos, analizando aquellos aspectos que afectan al entorno artificial construido por el hombre relacionado directamente con los actos y gestos involucrados en toda actividad de éste.

En todas las aplicaciones su objetivo es común: se trata de adaptar los productos, las tareas, las herramientas, los espacios y el entorno en general a la capacidad y necesidades de las personas, de manera que mejore la eficiencia, seguridad y bienestar de los consumidores, usuarios o trabajadores.

ANTROPOMEDIA

se considera a la antropometría como la ciencia que estudia las medidas del cuerpo humano, con el fin de establecer diferencias entre individuos, grupos, razas, etc.

En los puestos de trabajos, se puede distinguir la aplicación de antropometría, con los grandes puestos obtienen un mayor espacio para laborar, así como también el diseño de los cubículos de oficinas que están pensados en las tallas de los trabajadores promedio.

ANATOMIA

Como una de las ramas más importantes de la biología, la anatomía humana llamada también antropotomía, es la ciencia que estudia la forma y la estructura del cuerpo humano e investiga las leyes que rigen el desarrollo de dicha estructura con respecto a sus funciones y su relación con el medio ambiente. Etimológicamente, la palabra anatomía se origina de las voces griegas:  - ana que significa “por medio de”, y - tomos que significa “corte”, o - anatomé que significa “disecar, cortar a través o disección”.  Es decir, la palabra anatomía significa “cortar para ver”, lo cual justifica a la técnica más antigua usada por los anatomistas para el reconocimiento de órganos internos, nos referimos pues a la disección. BIOMECANICA La biomecánica del movimiento humano puede ser definida EN FORMA METODOLOGICA como una interdisciplina  científica que mide, describe, analiza, valora y proyecta  el movimiento humano. Zatsiorsky indica más globalmente que es una ciencia que estudia el movimiento mecánico en sistemas vivos y en particular el movimiento del sistema locomotor del cuerpo humano. Según Hay la Biomecánica es la ciencia que examina las fuerzas actuando sobre y en una estructura biológica y los efectos que producen dichas fuerzas. Para Milburn, el concepto de Hay, implica un entendimiento del movimiento humano en tres áreas  estructuras biológicas,  análisis mecánicos y  un entendimiento del movimiento. A través del saber independiente de la Anatomía, funcionalidad musculo esquelética, mecánica clásica o cuántica, informática, técnicas de ejecución motora, procesos de lesión deportiva, entrenamiento deportivo por si mismas no podrán avanzar hacia el entendimiento del movimiento humano. Es entonces, la habilidad de integrar multi-disciplinariamente este conocimiento para proveer un entendimiento del movimiento lo que determina un correcto y profundo análisis del ambiente dinámico del movimiento SOMOTOGRAFIAla somatografía como una terapia auxiliar dentro del campo de la terapia natural y humanista. Por una parte, resulta útil para tratar algunas dolencias psicosomáticas como los dolores de cuello, hombros y espalda, los desórdenes gastrointestinales y los estados de hipertensión. Por otra parte, puede hacer que la gente tome mayor conciencia de su cuerpo y empiece a escuchar el flujo constante de señales informativas que éste emite. Dicho conocimiento puede ayudamos a clarificar nuestros pensamientos y sensaciones, nuestra situación en la vida y nuestras relaciones con los demás. Esta terapia es útil para todas las edades.

ANTE-PROYECTO ESCUELAS Y TENDENCIAS

SILLA FLEXIBLE

 esta silla esta inspirada en la escuela de bauhaus y la tendencia del minimalismo  lo cual es una buena combinación porque la escuela ya dicha solo trabaja figuras geométricas rectas como el cuadrado y el triangulo así que es una buena combinación con el minimalismo porque con esas figuras tan simples se pueden sacar productos complejos pero con la simpleza del minimalismo y las figuras simples del la escuela bauhaus.

lo que se ve en la fotografía es una silla la cual utiliza figuras geométricas principalmente el triangulo para poder formas la bases que puedan sostener la silla y que no se mueva de un lado a otro y que se sostenga en su propio eje poniéndole cualquier peso ensima (con su limite).

el problema que surgió este re-diseño fue la comodidad y la necesidad de poder ajustar el espaldar de una silla económica y no tan "bonita", es decir, que una silla con la función a ajustar el espaldar como son las sillas masea
jadoras la tenga
también una silla que se encentra en un taller mecánico.

BIOGRAFIA DE BERND LOBACH

BIOGRAFIA DE BERND LOBACH 

Después de la escuela y después de un aprendizaje como grabador de acero Löbach 

asistió 1961-1963 la escuela técnica para el diseño y la tecnología de metal de metal 

en Soligen . Allí se encontró con el arte del diseño, el arte y el diseño e inspirado sobre todo por el escultor Artur Waßerloos al primer propio trabajo artístico. 1961 fue la primera

 vez que un público Löbach plástico en una exposición de arte en Solingen. 1963-1967 

estudiaron Löbach Diseño Industrial en la Escuela de Arte de Wuppertal. Para él, 

especialmente interesantes sugerencias que consiguió a través de su maestro Werner

Schriefers que introdujo una pintores informales en la enseñanza básica en la técnica del

 collage, de manera diseño artístico responsable de Löbachs propio trabajo debe ser 

importante más adelante. En el Diseñador de Odo Klose Löbach diseñado como una tesis

 de un torno con controles ergonómicos.

De 1967 a 1968 Löbach como diseñador industrial en la compañía de Brown, Boveri &

 Cie. en Mannheim operar y diseñado los controladores para plantas industriales y aquellas

 para sistemas de iluminación en teatros y estudios de televisión. En el período 1968-1975 

Löbach dio una conferencia de Diseño Industrial en la Escuela de Arte de Bielefeld, que se

 integró en 1972 en la Escuela Técnica Superior. Allí estableció un departamento de diseño

 para el diseño de productos industriales y estableció contacto con empresas de la región 

económica de Westfalia del Este, con el apoyo de proyectos específicos, el desarrollo y 

diseño del trabajo. Además de enseñar Löbach estudió en los años 1971 a 1975 en 

la Universidad de Bielefeld sociología y se sentó sobre todo con la cultura 

industrial , sociología de las organizaciones y la teoría de la comunicación aparte. Desde

 1975, las oportunidades de estudio para la disciplina del Diseño Industrial en el Estado de

 Renania del Norte-Westfalia se concentraron y se disolvieron en este contexto en Bielefeld,

 Bernd Löbach siguió una apelación al Departamento de Diseño Experimental Ambiental 

de la Universidad de Bellas Artes de Braunschweig . Allí se representó en este 

interdisciplinario curso de postgrado enseñanza de Diseño Industrial. A partir de 1975 hasta

 su retiro en 2007 Löbach enseñaba como profesor en Brunswick y sus áreas de 

enseñanza eran la historia del diseño , teoría del diseño y gestión de proyectos de diseño.

Löbach ve al proceso de diseño como un conjunto de relaciones entre el diseñador y el objeto diseñado, resultando un producto reproducible tecnológicamente.

El diseñador es quien se encarga de recoger la información necesaria para la solución del problema, en este proceso es indispensable la creatividad para seleccionar los datos correctos y aplicarlos cuando sean necesarios.

El proceso de diseño implica tanto lo creativo como los procedimientos de solución de problemas.

Löbach profundiza en su concepción de la metodología del diseño.

• Un problema existe y es descubierto.
• Se reúnen informaciones sobre el problema, se valoran y se relacionan creativamente.
• Se desarrollan soluciones para el problema que se enjuician según criterios establecidos.
• Se realiza la solución más adecuada.

Löbach realiza su proceso de diseño en un modelo que se puede explicar el cuatro fases

MATERIALES

POLIMEROS VINILICOS HALOGENOS

QUE ES?

Los polimeros vinilicos halogenados son un tipo de material procedente de la familia  de los polímeros el compuesto se utiliza principalmente para los plásticos delgados como la ropa impermeable, las bolsas, etc.

CUALES SON?

ETFE( El ETFE es un polímero termoplástico transparente de extraordinaria durabilidad: posee una elevada resistencia química y mecánica)

• Policloruro de vinilo

• Ropa de PVC

• 

  Ropa de plástico 

• 

  
  

• Politetrafluoroetileno

USOS.

Los usos de este polímero es la creación de plástico para poder detener el uso del árbol de caucho y no sobre explotarlo además este polímero se utilizó para la fabricación de ropa PVC o ropa de plástico y fue muy famosa entre 1960 y 1970 y las utilizaban para fiestas o reuniones no serias. Otro uso de este polímero es la creación del teflon.

ES NATURAL?

• Polímeros vinílicos halogenados: que incluyen átomos de halógenos (cloro, flúor...) en su composición.

Ejemplos: PVC y PTFE

POLIMEROS PLÁSTICOS

El término plástico en su significado más general, se aplica a las sustancias de similares estructuras que carecen de un punto fijo de evaporación y poseen, durante un intervalo de temperaturas, propiedades deelasticidad y flexibilidad que permiten moldearlas y adaptarlas a diferentes formas y aplicaciones. Sin embargo, en sentido concreto, nombra ciertos tipos de materiales sintéticos obtenidos mediante fenómenos depolimerización o multiplicación semi-natural de los átomos de carbono en las largas cadenas moleculares de compuestos orgánicos derivados del petróleo y otras sustancias naturales.

La palabra plástico se usó originalmente como adjetivo para denotar un escaso grado de movilidad y facilidad para adquirir cierta forma, sentido que se conserva en el término plasticidad.

POLÍMEROS NO PLÁSTICOS

 Termoestables: son polímeros que no se pueden fundir a través de un proceso de calentamiento simple, puesto que su masa es tan dura que necesita temperaturas muy elevadas para sufrir algún tipo de destrucción.

b) Elastómeros: son polímeros que aunque pueden ser deformados, una vez que desaparece el agente que causó la pérdida de su forma pueden retornar a ella. tienen la propiedad de recuperar su forma al ser sometidos a una deformación de ella. Ej. Caucho vulcanizado.

c) Termoplásticos: este es un tipo de polímeros que tienen facilidad para ser fundidos, y por lo tanto pueden ser moldeados. Si tienen una estructura regular y organizada, pertenecen a la subdivisión de los cristalinos, pero si su estructura es desorganizada e irregular, se consideran amorfos.

d) Resinas = Son polímeros termoestables que sufren una transformación química cuando se funden, convirtiéndose en un sólido que al volverse a fundir, se descompone. Ej. PVC, Baquelita y Plexiglas.

e) Fibras = Tienen la forma de hilos. Se producen cuando el polímero fundido se hace pasar a través de unos orificios de tamaño pequeño de una matriz adecuada y se le aplica un estiramiento.

POLIMEROS ACRILICOS 

El Acrilico es el polímero de metil metacrilato.

Es un Termoplástico rígido excepcionalmente transparente. En su estado natural es incoloro, pero se puede pigmentar para obtener una infinidad de colores. También se puede dejar sin pigmento para producir una lámina completamente transparente. Se produce material en un rango de parámetros de transmisión y difusión de luz, óptimo para diferentes usos.

El acrílico es un polímero sintético ya que se obtiene por síntesis ya sea en una industria o en un laboratorio, y están conformados a base de monómeros naturales, mientras que los polímeros semisinteticos son resultado de la modificación de un monómero natural.

TENDECIAS

EL ARTE NOUVEAU (NUEVO ARTE)

El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño 

• Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.

• Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.

• Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía (Técnica de grabar imágenes en una plancha de madera vaciando las partes que en la reproducción o impresión deben quedar en blanco.), el cartelismo,(Cartelismo es la especialidad de las artes gráficas consistente en la realización de carteles) la impresión...

• Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial

• Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.

ART DECO

Conocemos por Art Decó a aquel estilo artístico que tuvo lugar en las primeras décadas del siglo XX aunque su período de mayor auge y crecimiento fue la década de 1920. El Art Decó surgió en la ciudad de París pero se hizo presente en varios países a lo largo de Europa así como también en Estados Unidos y algunos países sudamericanos. Encontramos obras del Art Decó tanto en la pintura como en la escultura pero principalmente en la arquitectura.

El Art Decó tiene como elementos fundamentales a las formas geométricas y a las líneas simples y rectas. El Art Decó no presenta exuberancia y exageración como sí lo hacía el Art Nouveau ya que el contexto sociopolítico de la época de entreguerras era muy complejo y suponía una búsqueda de la simplicidad y de las formas más autenticas antes que del lujo y del gasto. Sin embargo, si bien las formas son más simples y planas, el interés por la belleza y el arte nunca fueron dejados de lado.

Tal como se dijo, el Art Decó buscaba representar líneas y formas tomadas de la geometría; mientras más exactas y definidas, mejor sería. Entre estas formas geométricas es común encontrar rayos o líneas oblicuas, círculos, arcos de medio punto, puntas redondeadas, triángulos, líneas rectas. Si bien el Art Decó también resultó ser muy vistoso a los ojos, su estilo no era tan exuberante o exagerado y permitía a uno observar verdaderamente las formas que quedaban por debajo de la decoración.

VINTAGE

 Es el termino empleado parfa referirse a objetos o accesorios con cierta edad, que no pueden auto catalogarse como  varias antigüedades, y que, como los buenos vinos, se considera que han mejorado o se han revalorizado con el paso del tiempo. Se utiliza para designar instrumentos musicales, la mayoría de automoviles,libros, y todas las fotografias que se pueden emplear en esta tendencia , y, mas recientemente, prendas o accesorios de vestir, ademas de video-consolas y videojuegos.

El auge de la estética vintage se ha visto acrecentado por iconos de la moda, como Dita Von Teese que viste casi exclusivamente con prendas de segunda mano, ademas de peinarse y maquillarse segun la época correspondiente.

Tal es el valor actual de lo vintage, que las casas de moda están recurriendo a ésta estética en sus nuevas colecciones.

El vintage es una manifestacion de la cultura post moderna. Es producto de la pérdida de fé en el progreso y el desencanto del motor de la innovación propia de la modernidad. Asì, en vez de mirar el futuro se recurre con nostalgia a elementos de era pasadas, como la construcción de elementos nuevos con apariencias retro, pero carentes de significado original. De ésta manera, la moda se sirve del pasado por motivos meramente estéticos, donde se mezclan elementos de distintas épocas y lugares, descontextualizados de su función y razón original.



EXPRESIONISMO


El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.


La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.














POP ART

Importante movimiento artístico del siglo XX caracterizado por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

​

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos.4 con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.


ART AND CRAFT

Tendencia artística de la segunda mitad del siglo XIX que luchó por revitalizar la artesanía y las artes aplicadas durante una época de creciente producción en  las serie. Este movimiento surgió amediados de  1861, cuando el diseñador inglés William Morris fundó la empresa Morris, Marshall, & Faulkner. Argumentando que la verdadera base del arte residía y se basaba en la artesanía, Morris y sus seguidores atacaron la esterilidad y fealdad de los productos hechos a máquina con sus productos hechos a mano , dedicando su actividad a la producción de tejidos, libros, papel pintado y mobiliario hecho a mano. William Morris. The Strawberry thief. Diseño en tela de algodón. Sus ideas tuvieron una gran influencia histórica en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.

​

Su principal objetivo fue promover " La perfección del trabajo industrial en conjunción con el arte, la industria y la artesanía". Cabe destacar que en un primer momento se dio importancia a la calidad del trabajo artesano y del material, siendo dudoso que los aspectos estéticos recibieran una atención suficiente. La preferencia de todos sus miembros por la producción mecánica se apartaba mucho de la posición tomada por el diseñador Morris. No solo se conformaban con ello sino que la acogían como un poderoso medio para fabricar artículos de calidad en grandes cantidades. Consideraban que la maquina era un nuevo perfeccionamiento de la herramienta simple y que, de igual modo que esta, la maquina se había de someter por entero a los puntos de vista del artesano artista.

EL NEOCLASISISMO 

Al siglo XVIII se le conoce como el Siglo de las luces porque el hombre rechaza todo aquello que le sea impuesto y sólo admite lo que le llega a través de la luz de su razón.

La razón es la norma con la que se valoran todas las manifestaciones humanas. Como consecuencia, aparece en Europa a principios de siglo un grupo de pensadores con un espíritu científico que toman la experimentación como método para adquirir el conocimiento sin temor a equivocarse. Este movimiento recibe el nombre de Ilustración.

Los ilustrados, para llegar a la verdad científica, comienzan a dudar de todo. La duda es el método para descubrir la verdad.

INVERSTIGACION CUALITATIVA Y CUANTITATIVA

INVRESTIGACION CUANTITATIVA:

La investigación o metodología cuantitativa es el procedimiento de decisión que intenta 
pretender señalar, entre ciertas alternativas, usando magnitudes numéricas que pueden ser  tratadas mediante herramientas del campo de la estadística. Por eso la investigación 
cuantitativa se produce por la causa y efecto de las cosas. Por ejemplo, si tienes una 
unidad monetaria y compras un chicle ya no tendrás esa unidad monetaria.



INVESTIGACION CUALITATIVA: 

Tipo de método de investigación de base lingüístico-semiótica usada principalmente en ciencias sociales. Se suele considerar técnicas cualitativas todas aquellas distintas a la encuesta y al experimento. Es decir, entrevistas abiertas, grupos de discusión o técnicas de observación y observación participante. La investigación cuantitativa asigna valores numéricos a las declaraciones u observaciones, con el propósito de estudiar con métodos estadísticos posibles relaciones entre las variables, mientras que, la investigación cualitativa recoge los discursos completos de los sujetos, para proceder luego a su interpretación, analizando las relaciones de significado que se producen en determinada cultura o ideología.

HAPPENING 

Happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso). Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los “espectadores”, para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva.

 Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.

El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.

NEW CLASSIC

Se dirige hacia la creación de nuevos clásicos del diseño; piezas de autor destinadas

 a convertirse en objetos basados en las raíces del diseño industrial. El lujo cada vez 

está menos ligado a la idea de exhibir, de destacar o sorprender y más cercano a la 

calidad y la excelencia del diseño racionalista.

Tendencia que se dirige hacia la creación de nuevos clásicos del diseño; piezas de 

autor destinadas a convertirse en objetos de culto basadas en las raíces del diseño 

industrial. El lujo cada vez está menos ligado a la idea de exhibir, de destacar o

 sorprender y más cercano a valores más seguros como la calidad y la excelencia 

del diseño racionalista. 

Este hecho puede deberse a una actitud coherente con los

 tiempos que vivimos,  en la que el usuario busca que los objetos tengan un valor

 justificado. En este caso, sigue siendo crucial la marca y el diseño de autor, pero

 dirigidos hacia la creación de “nuevos clásicos del diseño”, piezas de autor destinadas

 a convertirse en objetos de culto basadas en las raíces del diseño industrial.

Este hecho puede deberse a una actitud coherente con los tiempos que vivimos, 

 en la que el usuario busca que los objetos tengan un valor justificado. En este caso, 

sigue siendo crucial la marca y el diseño de autor, pero dirigidos hacia la creación de

 “nuevos clásicos del diseño”

SATYLING 

l styling es un término que se usa para referirse a una de las filosofías de diseño con énfasis en hacer un producto atractivo para los consumidores con el fin de venderlo. 

Esta filosofía se opone al funcionalismo y su mayor representante fue el diseñador industrial norteamericano Raymond Loewy. El styling surgió en los Estados Unidos después de la caída de la bolsa de valores en 1929, con el objetivo de incrementar las ventas. 

Según Tomás Maldonado, corresponde a una modalidad de diseño industrial que intenta hacer el modelo superficialmente atrayente, para disfrazar eventuales fallas en la calidad. Según Heskett (1997), el styling está asociado a la expansión de la profesionalización del diseño en los Estados Unidos y responsable por la consolidación de la figura del diseñador como consultor de empresas, formando asociaciones con la industria norteamericana.